Caballero medieval de la orden del Temple en la batalla de Alange (1230)

Este caballero bien podría haber participado en la toma de Mérida o en la batalla de Alange, que tuvo lugar en 1230. Un ejército liderado por Alfonso IX había partido a finales del año anterior hasta esa ciudad, a la que había sitiado desde febrero, para arrebatarla a los almohades. En el contingente participaban, además de las tropas del monarca, caballeros de las órdenes del Temple, Alcántara y Santiago.

Lo que destaca de esta figura es la postura. Se muestra altivo, arrogante, desafiante, fiero. Podría ambientarse antes o después de la batalla. Se ha convertido en un clásico -pertenecía al catálogo de figuras de 54mm de Élite Miniaturas pero ha sido recuperada con acierto por FeR Miniatures- y puede reconocerse la mano de Mike Blank en la escultura.

Parecía recomendable respetar la diagonal que se dibuja entre sus pies para ubicarla en la base. La mirada hacia fuera de campo, y no interpelando directamente al espectador desde la vista frontal de la peana, siempre sugiere cierta amplitud. Opté por esta solución al plantarla sobre ella y sujetarla con un  perno en su pierna derecha. Luego llego el momento de buscar una imprimación que permitiera sugerir y descubrir los volúmenes sensiblemente insinuados de la vesta, a la que un leve soplo de viento levanta un poco por delante.

El rostro debería mostrarse tostado por el sol, así que opté por incorporar tonos anaranjados para su tez morena. También aposté por dar un tono marrón claro y brillante con desgastes al protector de cuero de la cabeza para el yelmo (un yelmo que no existe y que podría incorporarse en otra propuesta formando parte de la ambientación).

Con estas cuestiones avanzadas, llegó el momento de pintar la sobrevesta y de plantear un diseño de la cruz y su ubicación. Con una base formada por  marrón cubierta mezclada con caqui y marrón violeta y también puse algun leve tono de rojo violeta, casi todos ellos en muy poca cantidad, casi imperceptibles, pero que le dan variedad cromática y calidez.

En el interior del escudo pinté tablas de madera con veteados claros, para que reflejaran un poco más la poca luz que pudieran recibir desde el frente.

La base ya estaba texturizada con arena de Vallejo y piedrecitas de diferentes tamaños ubicadas en lugares que sirvieran para equilibrar la composición.

La pintura de un escudo es siempre un reto interesante. Lo es, sobre todo, porque hay muchas variables que intervienen: el desgaste del cuero y de los golpes sufridos sobre la pintura, los efectos de la batalla, los detalles de la heráldica y los colores... En este caso, teniendo en cuenta el dominante blanco y un poco satinado del protector de la madera, habría que buscar un equilibrio entre la suciedad y los rasguños efectuados por armas de corte o los impactos de armas de golpe, acompañados de salpicaduras o manchas de sangre. Y encima, dar sensación de que esos efectos están ajustados a la escala y son verosímiles. Bueno, así es como la dejé. ¿Me pasé? No sé. Yo creo que incluso deberían quedar mucho peor tras varias batallas. También trabajé el pintado de la cruz para que no pareciera tan plana.

En esta ocasión probé algo nuevo para la cota de malla. En realidad, el brillo es el del propio metal, ya que raspé cuidadosamente los lugares en los que quería que se mostraran los reflejos de esta protección metálica que había oscurecido previamente con paulatinos lavados en negro sobre la imprimación gris. Creo que en las fotos finales esto puede apreciarse. Lo interesante es que cuando la figura está expuesta a la luz, recuerda el aspecto semibrillante que la cota de malla debería tener dependiendo de la procedencia del foco principal, el sol en el caso del exterior del campo de batalla.

Finalmente, es en el ensuciado y la integración de la figura con el terreno en donde reside uno de los secretos de la transmisión de una sensación y una situación al que observa. La sobrevesta debía quedar sucia, la cota de malla, empolvada hasta casi esconder el detalle. La funda de la espada, con cortes. El hacha, con restos de sangre. Algunas gotas incluso han manchado el suelo.

Y así es como quedó.

¡Hasta la próxima!

KPG

Oficial del ejército confederado (1863)

Lo primero que se reconoce en una figura modelada por Raúl García Latorre es su capacidad por captar las actitudes, gestos y expresiones de las personas en cualquier momento del día, como, por ejemplo, durante un descanso. Es el caso de esta bonita figura de 54mm perteneciente al catálogo de Art Girona y que retrata a un oficial confederado en un momento de distensión, disfrutando de su puro y de la conversación con los interlocutores que se quieran imaginar fuera de campo.

Hacía mucho tiempo que no publicaba algo. Pero esta figura se ha convertido en una excelente excusa para acabar con este silencio.

Una vez pulida, decidí pernar la pierna de apoyo, que ostenta una mayor verticalidad del eje que la izquierda. Buscaba la manera de presentar lo mejor posible al sujeto, que dibuja una diagonal que había que tener en cuenta en el momento de ubicarla sobre la base.

Para la imprimación, elegí un color gris oscuro inicial y luego realicé planteamientos de iluminación con otras grises.

Para el rostro, elegí un tono más morenito, empleando para esta ocasión un Tierra Oscura  de Vallejo (70.874/134) que mezclaría con un poco de Rojo Cadmio Tostado (70814/034) para las sombras pero con un poco de Carne Base (70.815/17) y Carne Dorada (70.845/20) para las luces.

Con el rostro ya acabado, llegó el momento de dar una base de color al terreno (eso me permitiría controlar el color del gris y su constraste con la tierra. A partir de entonces empiezan los trabajos con los diferentes tonos de grises empleados.

Aunque antes, decidí trabajar las bases de las botas, los guantes, las partes del uniforme amarillas (con un marrón dorado -70.877/126) y el cabello del oficial.

Avances con los botones y los colores grises de la parte superior (Gris Cielo inicialmente 70.989/154) -y de las sombras (veladuras con Gris Marina Medio -70.870/158- y Gris Neutral -70.992/160).

Llegaba el momento de colgar la espada al cinturón. Recomiendo empezar por doblar el estaño sin pegar por la anilla de la funda del sable para poder calcular el trozo necesario y cortar posteriormente y pegar al cinturón con mayor libertad de movimiento. La mano con el puro ya estaba pegada y el suelo un poco texturizado con pincel seco.

Y luego de esto, ya viene el trabajo de pintura con todo lo demas y el empleo de pigmentos para el suelo y para ensuciar y "pegar" de esta manera a la figura en su espacio.

Y, de momento, eso es todo. ¡Hasta la próxima!

KPG

Generar efecto de tres dimensiones con pintura: una pequeña cruz sobre un escudo.

¿Cómo podemos generar ilusión de tres dimensiones con la pintura de detalles u otros elementos para que superficies planas ganen interés? Se trata de engañar al ojo aprovechando esa "necesidad" o vocación del cerebro humano de dar sentido a lo que ve de acuerdo con los conocimientos adquiridos por las experiencias. Vamos a emplear como ejemplo la pintura de una cruz de la Orden de Santiago en el escudo que lleva colgado a la espalda este caballero que pertenece al catálogo de Gripping Beast (28 mm). Hay maneras diferentes de hacerlo, claro. Yo voy a mostraros cómo he pintado esta. Todos los colores son de la gama Model Color de Vallejo.

Sobre un fondo claro, en esta ocasión con un color Marrón Cubierta (70.986/110), pinto a mano alzada y con un color oscuro (Rojo Cadmio Tostado, 70.814/034) el esquema de la cruz. Si nos equivocamos, siempre estaremos a tiempo de corregir ese esquema base perfilando con el color del fondo.

Luego, vamos buscando un color más claro que nos ayude a recordar el rojo original que tenía asignada la cruz de esa orden. Para este ejercicio, yo he empleado un Bermellón Oscuro (70.947/029). Es muy importante no excederse con la cantidad de la pintura y usar un pincel con una punta fina que arrastre la pintura justa después de haber quitado el excedente de agua. Siempre es mejor poner poca pintura y esperar a que seque para, aprovechando las características del acrílico, conseguir que poco a poco vaya saturando la transparencia -la capa de pintura que ponemos sobre otra capa anterior ya pintada-, y alcanzar un tono más vivo. En este caso, yo he probado con un pincel Vallejo RK-25 de piel de marta Kolinsky del número 1 y he quedado muy satisfecho con el resultado.

Sobre ese rojo, aplico otro color con un tono más vivo, que mezclo con menor proporción del anterior. En el siguiente paso, he mezclado Bermellón (70.947/029) con el Bermellón Oscuro anterior. Pero ahora ya con la intención de reforzar la parte de la cruz que, en caso de tener algo de volumen, recibiría más luz. Es decir, con la pincelada, concentramos el depósito final de la pintura en la zona más clara.

 Antes de seguir, recordad que no es necesario disponer de botes con rojos más claros para ir "subiendo" el tono, podría hacerse añadiendo naranjas o amarillos a la mezcla, como veréis. Evitad emplear un color que tienda a desaturar porque tenga algo de blanco, ya que el tono puede quedar pronto apagado y virar hacia un rosa.

Vamos a continuar un poco más. ¿Qué tal si empleamos un Naranja (70.956/025) mezclado con un poquito de Bermellón Claro para hacer el mismo ejercicio, pero reduciendo aún más el espacio en el que se concentra la pintura? En la siguiente foto vemos el resultado.

El efecto de tres dimensiones será más perceptible si ahora trabajamos las partes que no recibirían tanta luz según la disposición que ocupa el elemento donde pintamos la cruz u otro elemento. Recuperamos un poco del Bermellón Oscuro y lo mezclamos con un poco de Rojo Cadmio Tostado para incidir con cuidado sobre los espacios que reciben menos luz y que están en claro contraste con los más expuestos a la luz. En este caso, con la pincelada iremos de la parte menos oscura a la más oscura. El Rojo Cadmio Tostado ya tiene presencia de negro, así que con muy poco ya basta para realizar una gradación.

Finalmente, es el momento de trabajar los extremos de luz y de sombra. Con un Amarillo Intenso (70915/014) mezclado al Naranja, podemos obtener un color más claro o muy claro que se convertira en el brillo final de las partes rojas más sobresalientes y que reciben el impacto de la luz por un lado. Mientras que si al Rojo Cadmio Tostado le añadimos una pizca de Negro (70.950/169) con mucho cuidado perfilaremos los límites de la cruz. Esto último servirá para dos cosas. En primer lugar, aumentará el contraste con las partes más claras y, en segundo, dará máyor profundidad a las partes más escondidas.  Para los brillos finales, siempre podemos añadir un poco más de amarillo al Naranja hasta conseguir la sensación de brillo deseada.

A continuación, la paleta de colores empleada para este ejercicio. La mancha "oscura" que se aprecia en la derecha pertenece al Marrón Cubierta de la base inicial.

En la foto que muestro a continuación, he empezado a trabajar la sensación de profundidad en la parte más baja del escudo para forzar el contraste con la más clara que sería la de la derecha superior He hecho una primera mezcla en la que al Marrón Cubierta le he añadido un poquito de Tierra Oscura (70.874/134) y luego un poco de Gris Cielo (70.989/154). Falta oscurecer un poco más, pero me detengo ahí porque quiero empezar a trabajar sobre el escudo efectos de envejecido, y huellas de combate y suciedad, pero eso ya es tema de otro post. 

¡Un saludo!

KPG

Napoleón en El Cairo, 1798 (figura plana)

Se trata de mi primera figura plana. Representa a Napoleón en Egipto. Ha sido un ejercicio grato de un tipo de miniatura con el que no estoy habituado y que ha ido a parar a manos de un amigo. La escala seria de 1/28 aproximadamente. Me he dado cuenta, al comparar con trabajos de otros aficionados, que hay una tendencia a trabajar estas miniaturas muy oscuras y con leves subidas de color en las transiciones. Pero en este caso, el color del caballo elegido era blanco, así que me encontré con el problema de tener que trabajar de manera muy sutil las partes sombreadas y los toques de luz con la intención de realizar un tratamiento verosímil. Puesto que el fondo seria negro, el contraste vendría dado ya por esa circunstancia.

A continuación, el soporte donde realicé el pintado, con la miniatura imprimada en gris.

Primeros trabajos con el sombrero, el rostro y las partes rojas de la cabalgadura (sólo con color base).

 

Pintura empleada para las ornamentaciones.

 

Primeros trabajos de sombreado del caballo.

Y, de nuevo, la versión definitiva.

¡Hasta pronto! ¡Un saludo!

KPG

Pintura de ajedrezado de casco espartano

Os presento una sencilla técnica que puede servir para pintar los ajedrezados de los cascos de hoplitas griegos. Es válido para cualquier tipo de escala, aunque para aquellas que sean muy pequeñas, a veces no hay más remedio que usar el punto para generar la ilusión de un cuadrado y una lente de aumento. En este caso, trabajé sobre un hoplita espartano de 54 mm de El Viejo Dragón.

Una vez que veamos la longitud del soporte del penacho donde iría ese pintado, establecemos unas líneas verticales para construir mitades "grandes" que luego iremos dividiendo marcando a su vez nuevas mitades.

Se hace lo mismo con líneas longitudinales. En este caso yo me "atreví" sólo a dividirlo por la mitad. Para la etapa posterior, hay que tener bien claro la disposición de los cuadros de color y su anchura. Con una primera aplicación de pintura blanca, empezamos a dimensionar los cuadraditos nacidos alrededor de las líneas marcadas. Es normal que tenga un aspecto tosco al principio, pero luego lo iremos puliendo y refinando.

Y a partir de ese momento, como decíamos, llega el momento de marcar mejor los límites de los cuadros blancos empleando pintura un poco menos diluida. El negro, sin embargo, será el color fundamental, ya que con él recortaremos los límites de los cuadros blancos intentando que todos tengan una medida similar y proporcionada.

Luego ya es cuestión de paciencia y de ir puliendo más y más esos cuadrados hasta obtener el aspecto deseado.

¡Un saludo!

KPG