2 de mar. de 2015

Manchas de leopardo y de jaguar


La protección habitual de muchas cabalgaduras del ejército napoleónico solía ser una piel de leopardo, sobre la que reposaba la silla del jinete. Parece que Alejandro Magno solía usar una para cabalgar a lomos de Bucéfalo. Muchos otros jinetes de diferentes lugares y épocas la empleaban también para ese cometido o como piel de abrigo y adorno, como, por ejemplo, los húsares alados... Desafortunadamente para este animal, su fiereza, belleza y la dificultad que entrañaba su caza eran muy apreciadas entre los guerreros de distintas épocas. 

En definitiva, nos encontraremos con muchas figuras a las que podemos "vestir" con este tipo de piel tan característica que tendremos que pintar, imitando su moteado.

En la siguiente selección del torso del animal que aparece en la foto superior -imagen de la que es autor Ed Glickman-, podemos apreciar mejor sus características.


Tenéis que ir con cuidado, sin embargo, si queréis reproducir manchas de leopardo de verdad y no confundirlas con las de jaguar, como me ocurrió a mí. Las que véis a continuación son de un ejemplar de este último felino.


Debo dar las gracias al amigo José Lorenzo Serafin, quien amablemente me envió un correo e hizo darme cuenta del error cometido tiempo después de haber publicado el post inicial, en el que había confundido este jaguar con un leopardo. Efectivamente, el leopardo tiene manchas más pequeñas y no cuentan con el punto pequeño que puede apreciarse en las manchas del jaguar.

Pido disculpas por la falta y agradezco profundamente los mensajes de los lectores que con sus críticas, apuntes y sugerencias me ayudan a corregir las posibles equivocaciones que haya podido cometer en el blog. :)

Espero que estos recursos os puedan servir de modelo y ayuda si alguna vez tenéis que imitar esas pieles.

¡Un abrazote!

KPG

1 de mar. de 2015

Llega el impresionante Hércules esculpido por Carles Vaquero para Alexandros Models



Obras como este Hércules con el can Cerbero de Alexandros Models merecen el reconocimiento del mundo modelístico. Este proyecto se ha ganado quedar en el recuerdo de los aficionados a la pintura y escultura de figuras. De nuevo, Alejandro Cortina ha decidido correr un riesgo con esta nueva propuesta para fortuna de todos. Y el encargado de transformar la idea en una joya de plomo y resina ha sido Carlos Vaquero, uno de los mejores escultores del momento en el panorama internacional.

Veamos algunos detalles de este magnífico trabajo. Para empezar, una vista general del despiece.


El semidiós a la izquierda en metal. A la derecha, la bestia en una resina de alta calidad. Todas y cada una de las piezas merecerían un comentario. Pero para no aburrir, mostraremos sólo algunas que hablan de la dificultad y delicadeza de la obra.

El torso, la cabeza de Hércules y la cabeza del león de Nemea con el que se la cubrirá. Las dos últimas apoyadas sobre el rópalo o garrote que emplea como arma.


Llega el turno del vigilante de Hades. El diseño del perfecto encaje de las piezas es excelente. La expresividad de cada una de las cabezas de Cerbero es fantástica.


Y como siempre, el box art es otra obra de arte de Alex Cortina. Si queréis ver más vistas de esta impresionante escena, podéis hacerlo a través de este enlace al álbum de su página de Facebook.

En definitiva, una maravilla que ningún aficionado no debería dejar pasar.

¡Un saludo!

KPG



16 de feb. de 2015

Bienvenidos al mundo del color con Toni Nieto


Ahí tenéis al amable artista Toni Nieto, un apasionado del arte en todas sus formas y representaciones, experto en arte contemporáneo y amante de la expresividad que puede alcanzarse también cuando las figuras o las viñetas transmiten emociones y sensaciones, crean sentimientos, explican una historia...

Pues tuvimos la suerte de aprender con él cosas sobre el apasionante mundo del color y los engaños de nuestro cerebro en este foro fantástico que es el Bunker, mi grupo de encuentro, el espacio-tiempo que comparto en Barcelona con unos compañeros de afición entrañables de todos los campos del modelismo y miniaturismo en el que nos "regalamos" sesiones formativas y de tertúlia como estas.


Repasamos conceptos, tendencias, vimos audiovisuales que sirvieron de apoyo a una intensa labor pedagógica de Toni en la sala, en la que no faltaron documentos de todo tipo.


Que sí, que hay que estar atentos...

Y encima trajo ejemplos magníficos. Algunos de sus trabajos nos hacían babear a muchos.



 Vamos a verlos, ¿no?





Pues nada, que replanteárselo todo siempre es conveniente para aprender todavía más. ¡Hasta otra, Toni! ¡Gracias por tus bendiciones, maestro! ;)


¡Un saludo!

KPG




11 de feb. de 2015

Cómo hacer huellas de herraduras en ambientaciones


Tenemos a todos esos sujetos preparados para ser pintados. Son figuras de un juego ambientado en el oeste americano. Deberán actuar en las calles de alguna ciudad perdida en las que sus huellas se mezclarán con la de otros habitantes, ruedas de carros y diligencias y...herraduras de caballos.

Para realizar marcas de herraduras, podemos fabricar un sencillo tampón con un clip. Sólo hay que darle la forma adecuada al tamaño de la huella que queramos reproducir a alguna de sus formas curvas y presionar sobre la masilla de la base en el momento de realizar su texturizado antes de que aquella se seque 


¡Listo! En el momento de pintar la base ya tendremos unas marcas que nos ayudarán a ambientar la figura en una época y situación en las que caballos y jinetes han dejado huella de su paso previo por ese mismo lugar pocos momentos antes...


Un recurso sencillo, útil y resultón.

¡Un saludo!

KPG

30 de ene. de 2015

Inventando arrugas y volúmenes en la recuperación de la capa de un templario


La foto que encabeza este post muestra el estado en que tengo el templario de Romeo de mi colección y que estoy intentando "recuperar", restaurar o interpretar de otro modo para intentar mejorarlo un poquito.

He dedicado dos breves sesiones a trabajar un poco más la capa. No he podido avanzar mucho, pero puedo mostrar la tendencia con la que estoy enfrentándome a esa prenda con algunos ejemplos sobre un lateral de la misma -el que se presentaría como vista frontal de la miniatura-, que será extrapolable al resto de la vestidura.

Estoy intentando trabajar las luces y sombras de dicho lateral, pero me lo estoy planteando como un ejercicio para probar algunas cosas, como, por ejemplo, crear pliegues donde no los hay o inventando volúmenes en espacios frontales en los que no existen intentando engañar al ojo.

Para dar una idea de a qué me refiero, mostraré una foto que muestra dónde había dejado la miniatura. Como se verá, apenas existe una capa uniformizadora con un tono más terroso que el de la vesta, para dar sensación de que la calidad y/o procedencia de ambas prendas era distinta y con algunas partes -las que recibirían menos luz- más oscurecidas.



A cierta distancia, la figura daría sensación de poco volumen. Y lo que he intentado ha sido precisamente exagerar los contrastes entre zonas de luz y de sombra para que no parezca tan plana y carente de vida o expresividad.

Para ello, en una primera sesión intenté trabajar más los contrastes entre zonas claras y zonas oscuras agrisando en general la figura. Estas son las mezclas y colores que utilicé.


 En realidad, hay muchos "grises". Incluso el más claro es un Gris Blanco. En los tonos claros, los colores son Gris Pálido (70.990/155), un poco de Arena Iraquí (70.819/124) y Marrón Cubierta70.986/110). Para los oscuros empleé el Gris Medio (70.987/111) con muy poquito de Marrón Naranja (70.981/131) y una pizca de Gris Londres (70.836/161). Este es el resultado final en el que espero que se aprecien las diferencias entre los tratamientos dados a las partes oscuros y los dados a las claras.


Creo que me excedí un poco, y eso significa que en la segunda sesión he tenido un poquito más de trabajo en recuperar un tono claro en las partes más expuestas y que no diera sensación de mayor oscuridad global que la sobrevesta, que está debajo.

Para ello, empleé otra gama en la que probé una mezcla para las subidas con un color común más claro, el Arena Iraquí, y otra en las bajadas con Arena Marrón (70.876/132) como elemento común.


 En el "menú" siguiente final se ven las distintas mezclas usadas. Para las oscuras, ampliaba la proporción de Gris Londres. Para las claras, las de Marrón Cubierta (70.986/110) -el color base y un color clave para trabajar paños claros- y Blanco (70.951/1).


Primero, intenté trabajar las gradaciones entre zonas claras y zonas oscuras, intentando forzar algún contraste en los pliegues más marcados y dar más sensación de profundidad.


Luego empecé a "inventarme" algunas arrugas más alargadas en el brazo que sostiene la espada, de manera que vinieran desde atrás y se prolongaran hasta la zona que cubre el bíceps y el antebrazo. La intención es dar algo más de profundidad a esa parte trasera que va desde el codo hasta la espalda y que no parezca una zona lisa, sin ningún relieve. Quería suavizar la sensación de que las arrugas se crean bruscamente en el brazo sin más.




Creo que se puede apreciar la marca fina realizada con la mezcla más oscura y la gradación atenuada de abajo a arriba para conectar de manera verosímil la zona inferior más oscura con la superior más clara.

En la parte de abajo de la vesta me dediqué a aprovechar la supuesta presión hacia arriba que genera la vaina de la espada para trabajar un espacio que me parecía que tenía muy desangelado. Marqué bastante la "forma" de la vaina e intenté aprovechar para inventarme abajo un vuelo con trampantojo que al final de esta sesión no he podido acabar, pero que está bastante insinuado y al que creo que aún cambiaré un poco la forma...



No he podido avanzar más, lo siento. Le queda bastante trabajo. Pero en el próximo post de este pap intentaré tener acabada toda la capa. El truco en la generación de arrugas o volúmenes donde no los hay es marcar sin miedo la zona de luz máxima del pliegue, que nos indicará dónde deben ir las sombras que pondremos al lado para dar profundidad al volumen o hendidura en la ropa. A partir de ahí, hay que trabajar las gradaciones en zonas claras y oscuras como la luz modelaría un objeto real.

¡Hasta pronto!

KPG

19 de ene. de 2015

Ejercicio de pintura de caballo zaíno al óleo


Este es mi primer caballo pintado al óleo. Es el resultado de un taller que realicé con compañeros de afición hace unas semanas, bajo las directrices del amigo Juanma Vázquez. Empleamos como guía algún fantástico ejemplo de Daniel Ipperti publicado en la revista Figurines. La verdad es que disfrutamos con la jornada y las pedagógicas e interesantes explicaciones de nuestro profesor. Quizás más adelante -si practico bastante- me anime a hacer un pequeño paso a paso del proceso, porque ahora no tengo suficientes imágenes del mismo para ilustrarlo, aunque sí que puedo exponer algunas de las cuestiones que practicamos.


Para pintar este caballo zaíno elegí un modelo de Historex de 54 mm al que limé las testera, frontalera, carrilleras y muserola de la brida que venían modeladas en la cabeza del caballo. Con Magic Sculpt intenté cubrir las uniones y las lijé lo mejor que pude para que no se apreciaran. La más complicada resultó la que une el cuello al cuerpo del caballo, que generalmente está oculta por la silla, los petrales o las cinchas. También tuve que disimular la unión de las crines con el cuello del caballo y las orejas. Como puede verse en la foto superior, hice lo que buenamente pude...

En la jornada intentamos generar la sensación de textura del pelo del caballo. Para ello empleamos pinceles de lengua de gato. Sobre la base marrón que proporcionamos al caballo con un color marrón claro, realizamos una capa con una mezcla de óleos Tierra de Siena Tostada y Amarillo de Nápoles. Luego trabajamos con Negro y fue entonces cuando al aplicarlo de arriba a abajo y prestando atención al recorrido que suele tener el pelo del caballo en diferentes lugares, empleamos el pincel de lengua de gato. Primero con uno más ancho, para aplicar el óleo Negro, luego usamos otro pincel más pequeño para retirar el excedente de aceite que pudiera quedar y finalmente, con suavidad, este mismo para marcar la textura del pelo. Tengo que advertir que no empleamos el óleo directamente del tubo, sino que dejamos que el excedente de aceite quedara sobre el papel de periódico en el que colocamos la pintura y que de ahí lo llevábamos a una sencilla paleta cuya confección explicaré otro día.



Trabajamos las luces y el marcado de algunas venas. En el caso de las crines y la cola, dimos una suave pasada de Negro mezclado con apenas un toquecito de blanco para "peinarlas" y dejar que esos brillos dieran la sensación de pelo. Viendo las crines ahora, me doy cuenta de que necesitan alguna sesión más.



En el paso a paso de Ipperti, el autor acaba por dar leves toques de blanco sobre la grupa y otros lugares que reciben más brillo en el caballo y luego los funde con el negro del entorno. Para este ejercicio, yo, en cambio, preferí evitar el riesgo de estropear lo trabajado al trasladar demasiado blanco sobre la figura, de forma que dejé que se reprodujera el brillo natural fruto del impacto de la luz del entorno sobre el óleo negro. El efecto es muy bonito y verosímil, de manera que podemos tener un bonito caballo solitario en nuestra colección, convertido, por su belleza, en el único protagonista. Os animo a realizar trabajos que sumen la magia del óleo a la plasticidad y belleza de este y otros animales.

Algunas fotos más.



¡Un saludo!

KPG