31 dic. 2011

Roderas en ambientaciones


Hice esta foto por si me da por imitar las marcas de las ruedas de vehículos en una zona transitada. Espero que también os pueda ser útil algún día.

¡Un abrazote!

KPG

29 dic. 2011

La historia de la escena de Artemis

Hace ya unos cinco años que hice esta composición sobre Artemisa, la diosa cazadora. Le tengo un cariño especial, porque es una de las primeras escenas que realicé y además con una figura de una escala tan pequeña para mi, de 28 mm. Pertenece al catálogo de El Viejo Dragón y la esculturita -de J. Ramón Arredondo- es de una delicadeza que cautiva.

La belleza en su desnudez y la postura de la figura me animaron a querer representar a Artemis o Artemisa, diosa helena de la naturaleza identificada a través de sus animales salvajes así como de la caza, los nacimientos, las mujeres jóvenes y la virginidad. A esta deidad se la solía armar con un arco y flechas o con una lanza y es frecuente verla ambientada en plena naturaleza y acompañada de un ciervo.

En el escudo de esta guerrera con aspecto de hoplita, reproduje una ilustración de un medallón de una copa ática datada aproximadamente del 470 a.c. y atribuída al pintor Briseis y que se encuentra en el Museo del Louvre, en París.

En la imagen original están representados Artemis, a la derecha, junto a su hermano Apolo.


Para pintar esta imagen y ajustarla a la superficie del escudo, me serví de una plantilla. Recorté los perfiles de las figuras principales y luego ya hice con mucho cuidado el pintado de los detalles con el pincel a mano alzada.


En la escena se puede encontrar lo que a mí me gustaría que recordara a una serpiente -a una pitón, en concreto-, que diera la sensación de atisbar a la diosa y que huyera del lugar o buscara un refugio más seguro que la base de la columna donde parecía estar ocultándose. Se trata de una especie de guiño al mito del nacimiento de los dioses gemelos Artemis y Apolo. En realidad, estos dos hermanos fueron fruto de un "desliz" de Zeus con Leto, hija de dos titanes. La compañera de Zeus y legítima esposa de éste, Hera, envía al monstruo ctónico Pitón para que devore a Leto antes de dar a luz. Pero llega tarde y Apolo, que ya es un joven hecho y derecho al cuarto día de nacer, mata a este dragón. Con la piel de la bestia, el joven dios cubrirá más tarde el trípode donde se sentaba la sacerdotisa de Delfos, a la que desde entonces se daría el nombre de Pitonisa...

Ahí está el montaje de diferentes vistas de la serpiente, que pinté como a la pitón que conocemos hoy día.



La historia es bonita, ¿no? Creo que lo que se aprende al documentarse para realizar el pintado o modelado y esculpido de figuras es una de las mejores cosas de esta afición.

En la escena, opté por poner una lanza en lugar de un arco. La figura ya llevaba una espada y aproveché las posibilidades que la longitud del arma arrojadiza me ofrecía para disminuir la sensación de inclinación hacia el exterior de la columna al "conectarla" con el suelo que pisa la deidad.


Para que tuviera aspecto de paraje perdido, puse una enredadera alrededor de la columna rota y algunas hierbas repartidas por la base. En la siguiente foto podréis descubrir también a la serpiente "huyendo" de Artemis.


Pinté el nombre de la diosa en griego en la base de las ruinas.


Finalmente, una perspectiva de la escena en la que se aprecia el escudo, al que di luces y sombras para exagerar el aspecto abovedado.



La peana, en realidad, es una caja de madera que compré en un bazar y en la que puede esconderse una sorpresa, un regalo, el anillo único...Como tenía esculpidos animales persiguiéndose, me pareció muy oportuna para emplearla como base para esta escena dedicada a Artemis.




Reconozco que con esta composición me compliqué la vida como nunca antes lo había hecho, pero aprendí mucho y me lo pasé de miedo. El camino es duro, pero vale la pena recorrerlo.

¡Hasta pronto!

KPG

28 dic. 2011

Buena herramienta para pulido de metales

Hace poco he descubierto este cepillo de púas de metal blando que a partir de ahora utilizaré con mayor frecuencia para pulir metales y quitar el polvillo de las figuras. Hasta ahora empleaba el estropajo de aluminio, que tampoco va mal, pero creo que con este sencillo instrumento consigo el mismo o mejor resultado con menos esfuerzo.

Os pongo una foto del artilugio y el resultado que puede obtenerse sin haber lavado después el metal.



¡Saludos!

KPG

23 dic. 2011

El bicarbonato para hacer nieve y el paso del tiempo


Con frecuencia experimentamos con nuevos productos o técnicas sobre figuras y escenarios. Os muestro cómo el paso del tiempo puede convertir una impoluta base de "nieve" simulada con bicarbonato en un extraño terreno con colores en un principio no esperados y una inquietante superfície semilíquida. Esto es lo que me pasó con una antigua figura de un caballero teutónico que formaba parte de una colección de caballeros medievales que se vendían en los kioscos junto a unos fascículos. Para ambientarlo, le puse una base de masilla y encima el bicarbonato para dar la sensación de que estaba sobre la nieve. Al cabo de unos años: ¡sorpresa!



Como véis y sabéis, la humedad, el cambio de temperatura u otros factores pueden alterar con el paso del tiempo el aspecto de los productos que utilizamos para las ambientaciones.

En un artículo de alguna revista leí que algún aficionado empleaba el bicarbonato a modo de nieve a sabiendas de que con los años tendrá lugar esta "mutación", de modo que el cambio puede acabar dando la sensación de que la figura está en un terreno en que la nieve y el barro comparten espacio. No lo veo claro...

En cualquier caso, debemos estar preparados para asumir riesgos y para evitar que la dimensión del "susto" nos lleve a desahuciar la figura o la escena y a retirarla de nuestra colección definitivamente.

Creo que este será el último post de este año, así que aprovecho  para desearos un

¡FELIZ 2012!

KPG

29 nov. 2011

Material para hacer correajes, banderolas y demás

Se acerca la Navidad y a muchos les da por poner más velitas que de costumbre. Pues bien, las velas aromatizantes o las pequeñas que tienen función ornamental y que podéis encontrar en cualquier establecimiento proporcionan un material muy interesante para hacer correajes para las figuras y otros elementos que se os ocurran.

Son maleables, se manipulan y cortan con facilidad y también se pueden pintar sin problemas.

Os aconsejo que lo probéis, ¡os puede sacar de un apuro! ;-)


En el siguiente ejemplo podéis ver el correaje del arma hecho con este material.


 
¡Un saludo!

KPG

28 nov. 2011

Retirada de Kabul


Una de las figuras con cuyo pintado más he disfrutado a principios de este año que ya casi acaba. Muchos la conocéis. Es de 54 mm y pertenece al catálogo de Latorre Models. Es una escultura muy, muy bonita.

Representa a un soldado que formaba parte del grupo de unos 65 hombres del Regimiento 44 de Essex en la retirada de las tropas inglesas de Kabul. Murieron todos el 13 de enero de 1842 en el paso de Gandamak, situado en una colina a 55 kilómetros de Jellalabad.




En el pintado, probé a que pequeñas cantidades de azul oxford en la mezcla con el gris de base del abrigo y el capote intentaran reflejar un ambiente frío, triste y hostil. Ese papel lo desempeñó el rojo violeta en las carnaciones de las partes de la cara y las manos más ocultas. Para intentar no crear un amarillo muy chillón en disonancia con el tratamiento dado a los otros elementos, empleé pequeñas cantidades de púrpura real, pero creo que quizás me equivoqué porque queda un poco apagado. No quise forzar demasiado el contraste en el capote e intenté, quizás desacertadamente, que las diferencias entre las partes más claras y las más onduladas del mismo fueran sutiles y que no hubiera reflejos muy exagerados de luz.

En cualquier caso, lo pasé fantástico con ella, aunque sufrí, porque quería que, al tratarse de un regalo para el "culpable" de que conociera esta afición, quedara lo mejor posible dentro de mis conocimientos y posibilidades.

KPG

22 nov. 2011

Las vetas de la madera

En muchas ocasiones nos encontraremos con la necesidad de reproducir el veteado de la madera. Por ejemplo en el momento de pintar el interior de un escudo, el mango de un utensilio como un cuchillo, los tablones de una embarcación o bien muebles como puertas, ventanas, sillas, etc.

Pero no podemos ser tan caprichosos en el momento de dibujarlas, pintarlas o modelarlas de manera que se aleje tanto de la imagen real que tenemos de ella que apenas recuerde el fragmento de árbol que quiere representar.

Como ya sabéis, las vetas de la madera en realidad son las marcas de los anillos concéntricos que rodean la médula de un árbol durante su crecimiento y que podemos apreciar al cortar el tronco de manera transversal.


Encontraremos también esas marcas que dejan los espacios en los que supuestamente nace una rama: se trata de aquello que conocemos como "nudos".



El crecimiento de las capas de madera respeta, por decirlo de alguna manera, el que reclama el corazón de la rama para sí y lo rodea dibujando formas sinuosas que son las que nosotros intentamos imitar.


Cada árbol tiene una manera peculiar de crecer en el medio en el que se desarrolla, así que eso también se reflejará en los aros de crecimiento y, por tanto, también en los veteados al cortar el tronco de manera transversal. En este post os he presentado algunas referencias por si queréis fijaros en esas líneas y su grosor en un tablón de unos 8 centímetros de madera de pino melis sin pulir.
Recordad que el tiempo, el barnizado, el uso y desgaste influyen sobre el color y el aspecto final. ¡Ah! Y por si acaso, pasemos siempre un ratito buscando algo de documentación si no queremos poner un interior de un árbol de América del Sur en el escudo de un cruzado durante la conquista de Jerusalén.

¡Más madera!


¡Saludos!

KPG

16 nov. 2011

Pintura con pocillos

Conocemos la paleta húmeda. Pero hay otros soportes que los colegas de afición emplean para hacer sus mezclas con pinturas (y con agua en el caso de acrílicos). Por si acaso, creo que no está de más irlos mostrando.

Seguimos, pues, con los pocillos. Un ejemplo:


Claro que existen diferentes tipos de recipientes en los que realizar las mezclas, pero este que aparece en la foto resulta especialmente útil porque luego de cada sesión puede limpiarse frotando con agua con, por ejemplo, un cepillo dental. Hay que esforzarse en quitar bien los restos, para que en siguientes sesiones no queden elementos que podamos arrastrar con el pincel o que nos molesten al intentar coger bien la pintura con las cerdas de aquél.

También puede conservarse el excedente de pintura en la nevera, como en el caso de los pastilleros, de los que quizás aparezca un post otro día.

Dependiendo de la profundidad del pocillo y de la cantidad de agua que hayamos empleado en la mezcla, el resultante seguirá líquido más o menos tiempo. Daros cuenta de que cuanto más cerca esté la pintura del borde superior antes se secará por la acción del aire.

Este tipo de utensilios suelen ser empleados por pintores que a veces usan en sus mezclas otras "substancias" cuya cantidad deben controlar en la mezcla, (tales como disolventes o los famosos "mateadores"), y necesitan un recipiente en el que poder agregar o corregir las proporciones de los elementos empleados.

Un modo de uso de la distribución de los colores en los pocillos -podríamos decir, a modo de "paleta"- es el de colocar la "gama" de subidas y bajadas a ambos lados del color base (colocado generalmente en el centro como referencia). Podemos tomar como ejemplo el que hemos visto en la iustración anterior.


Esta "paleta" podría ser empleada para realizar carnaciones, para pintar una piel o un rostro, pongamos por caso.

- En el centro, una mezcla realizada con rojo cadmio oscuro  y arena marrón a partes más o menos iguales.
- Para las sombras, añadimos en el pocillo que le sigue a la izquierda más rojo cadmio oscuro y disminuimos la cantidad de arena marrón.
- En el último pocillo de la izquierda podemos hacer una nueva propuesta de sombras más oscuras añadiendo a la mezcla del pocillo anterior un poco de negro.
- En el caso de las "subidas", podemos disminuir la presencia de rojo cadmio oscuro y aumentar la de arena marrón que había en la base inicial para conseguir el resultado que vemos en el pocillo de la derecha que sigue al que tiene la mezcla base.
- Una subida más. Quitamos el rojo cadmio oscuro y dejamos una mezcla hecha con arena marrón y carne base.
-Las últimas luces, con carne base sólo.

Podéis hacer las mezclas y subidas y bajadas que se deseéis, por supuesto (bueno, hasta que se acaben los pocillos, claro, :) ). Y colocar otros colores en pocillos vacíos para realizar trabajos en más partes de la figura. Pero recordad que si queréis retomar la pintura de una mezcla realizada anteriormente en otro pocillo deberéis ir controlando que no se seque por completo. Cuidado con excederse con añadir agua, ya que podemos obtener un aspecto satinado al aplicar con el pincel sobre otras capas anteriores.

Lo bueno que tiene esta herramienta es que podemos mojar el pincel en los diferentes pocillos para obtener un color que nos sirva para realizar las transiciones en forma de veladuras o transparencias entre las subidas y entre las bajadas, o para hacer lavados. Además, siempre podemos regresar a la mezcla base si tenemos que corregir o  reanudar el trabajo.

Espero que os resulte útil.

¡Un saludo!

KPG



14 nov. 2011

Para simular lana



Lo he explicado en otros sitios, pero aquí todavía no. Me gustaría compartir un recurso que puse a prueba en un busto y cuyo resultado no me pareció mal del todo. Se trata de intentar reproducir los puntos que se escapan de las ropas de lana para dar a creer que el material de esa ropa es precisamente ese. Si os fijáis en el busto de Braveheart, el trozo de ropa cruzado tiene una textura que no existe y que procura recordar un tejido basto elaborado con lana. Vamos a verlo más de cerca:


Pues bien, esta textura está realizada poniendo granitos de arena muy fina en la capa base. Luego lo iremos cubriendo en capas posteriores con los colores previstos, trabajando igualmente las luces y las sombras, como si el grabado formara parte del modelado inicial. La luz hace el resto y nos "engaña" recordando más o menos el aspecto de la lana. Hay que ir con cuidado y no pasarse con la cantidad de granos de arena ni con que se creen agrupaciones de bultitos poco verosímiles, de acuerdo con la extensión y arrugas del tejido. También hay que evaluar la escala de la figura o el busto para decidir si vale la pena o no realizar esta textura, no sea que el aspecto final afee el general de la mini o desvíe la atención hacia algo que no nos interesa. 

¡Saludos!

KPG

10 nov. 2011

Horno casero sencillo para secado de figuras al óleo

A estas alturas del año los comercios ya empiezan a poner a la venta todo un arsenal de dulces para celebrar la Navidad y el cambio de año. Es un buen momento para ver si entre la oferta descubrimos una caja de lata, latón o similar de galletas diseñada para la ocasión. Si encima es barata, mejor. Si la vaciáis del contenido (el cómo y el cuándo ya depende de cada uno) disponéis de un sencillo horno para secar al calor de una bombilla las figuras que hayáis pintado al óleo.

Os muestro un ejemplo:



Hacéis un agujero en la parte superior y colocáis una bombilla.



Y si queréis aprovechar la altura de la caja para apoyarla en el suelo sin peligro de que la figura que pongáis en el interior caiga cada vez que abrís y cerráis la tapa, no os olvidéis de hacer algún pequeño ajuste que permita manipular la "portezuela" sin problemas.



En uno de los lados podéis poner una bisagra o algún elemento que permita abrir y cerrar la tapa para controlar el proceso o para poner y sacar la figura sin dificultades.




¡Y ya está! Con el calor que despide la bombilla y las paredes en el interior no hará falta que pongáis papel de plata o similares y veréis que se acelera el secado de forma paulatina y relativamente rápida, aunque en eso también intervienen otros factores como la potencia de la bombilla y las características de la pintura. Pero eso ya son temas de otro hilo.

¡Saludos!

KPG 


8 nov. 2011

Dentro de la serpiente


Pues ahí, en el vagón del metro es donde podemos encontrar rostros, pieles, expresiones, texturas, materiales, formas, colores, ejemplos de la incidencia de la luz sobre los volumenes, historias...El vientre mecánico engulle multitud de ejemplos que podemos intentar trasladar a las figuras o que nos pueden ayudar a entender un concepto de pintura o modelado. ¿Estamos locos? Posiblemente. Pero no sería la primera vez que se encuentran soluciones o ideas aprovechando este magnífico aparador que viene gratis con el billete del viaje de metro o gratis igualmente si es que te has colado. En cualquier caso, esta observación enfermiza siempre nos puede hacer más llevadero el viaje si no tenemos nada que leer o nadie con quien charlar. Pero cuidado, hay que aprender a disimular porque alguien te puede pedir explicaciones si ve que no le quitas la vista de encima a su cara o a alguna parte de su indumentaria o de su cuerpo. Que no se os vea el plumero...Por cierto, ¿sabéis de dónde viene esta expresión del plumero? ¡Tiene su gracia! Pero lo explicaremos otro día.

¡Saludos!

KPG

7 nov. 2011

Mi espacio de trabajo, my workspace


Esto que veis es la mesa en la que distribuyo los utensilios que empleo cuando quiero disfrutar del hobby. No tengo un espacio preparado permanentemente, así que debo negociar la ocupación de la mesa con el resto de habitantes de la casa. No suele haber problemas, la verdad. Al fondo, sobre la silla que queda en el rincón, la caja con las pinturas. Está un poco entrada en años y en botes...



Para identificar pronto los colores más usados desde un punto de vista "cenital" señalo su nombre con un marcador permanente ya que a veces se va la referencia del papel adhesivo y es un rollo. Igual os sirve el apunte. ¡Haced buena letra!


Y cuado se acaba la sesión, al arca todo el material. A veces da pereza montar y desmontar. Pero esa liturgia ya forma parte del tiempo disponible para pintar o modelar.



Mejor todo esto a que se cansen de mi afición y me echen de casa, jejeje.

Bueno, y ¿queréis saber qué hay al otro lado, en el "lado oscuro"? 

¡Esto!


Es el comedor de casa, donde podremos tomar un café cuando vengáis.

¡Un saludo!

KPG

6 nov. 2011

Carabinier d’infanterie lègère (1809)

Una de las últimas figuras que he pintado. Escogí esta "Carabinier" de 54 mm de Métal Modèles para trabajar con uno de los que para mí aún resulta uno de los colores más complicados de reproducir en uniformes napoleónicos, el que los franceses denominan el 'bleu foncé'. Se trata de un azul muy oscuro, casi negro, empleado en muchísimos de los uniformes de la época.

Como el soldado en cuestión lleva cuatro prendas en diferentes estratos y lugares con ese color, me pareció que resultaba interesante para el reto. No me equivocaba...

El color base para el 'bleu foncé' que empleé fue una mezcla de negro con azul de prusia oscuro de Vallejo. Siempre con Flat base X-21 de Tamiya, ya que el azul oscuro de prusia tiende a satinar un poco y refleja bastante la luz del lugar. Dependiendo de dónde estaba la prenda variaba las proporciones de azul de prusia y de negro (más oscura la mezcla en las prendas más escondidas e inferiores, más clara en las superiores). Para las subidas, añadía un poco de azul de prusia y para las ultimas luces a esta mezcla le añadía un poquito de azul andrea. Otra opción hubiera sido subirlo con un poquito de blanco y luego dar lavados pero como no quería pasarme, no la utilicé y la dejo para un zuavo de Crimea de Pegaso que tengo parado. Siempre procuré que todas las luces fueran muy sutiles y las sombras no muy exageradas.

Para las bajadas, añadí más negro a la base y en el caso de los pantalones realicé algunos lavados cuando ya tenía las luces y las sombras un poco más definidas según cuál fuera la pierna a trabajar (si os dáis cuenta, hay una más avanzada que la otra, luego el tratamiento de zonas oscuras y claras debía ser diferente). Sólo una cuestión más, me atreví a poner en las últimas subidas un poco de azul oxford, para que al darle la luz le diera ese tono que parece más claro en la pierna adelantada y para marcar la línea de las luces más cenitales de las arrugas del pantalón me atreví a poner a la base una pizquita de verde azul pálido que casi no se aprecia, pero que está ahí.

Se puede mejorar, ¡claro! Pero lo dejo tal como está, con la satisfacción de saber que aunque me puedo haber equivocado, he probado cosas nuevas y he aprendido un poco más de lo poco que sabía.

Soy consciente de que en las fotos no se reflejan tanto los contrastes que se aprecian en mano. ¡Prometo mejorar la próxima vez!

¡Si queréis enviarme críticas o sugerencias a kalpurgisarts@gmail.com las atenderé con gusto!

¡Un saludo!

KPG

















4 nov. 2011

Conceptos veladura, transparencia, mezclas, baños de color, aguadas y lavados

Mientras continúa el aprendizaje y la práctica del pintado de figuras, resulta básico afianzarse con conceptos básicos que suelen emplearse para referirse a acciones que se llevan a cabo con la pintura.

Luego está obtener resultados, pero eso ya depende de las horas, la atención y el cuidado que pongamos en entender y sacar provecho de las enseñanzas obtenidas mediante la comprensión de los términos y las técnicas, la observación y la práctica.

Reconozco que al principio me costaba mucho reconocer la diferencia entre veladuras, transparencias, mezclas y lavados. A ver si soy capaz de explicarlo con algunos ejemplos que ayuden a memorizar los conceptos. Quedaros con la forma visual del ejemplo más que con la “limpieza” del efecto. De todas formas, recordad que al llevarlo a la práctica sobre figuras u otros soportes tendremos que ir con el consabido cuidado.
VELADURA
El color elegido adquiere presencia y consistencia luego de realizar varias capas sin que se cambie el tono original. En la siguiente fotografía puede apreciarse la diferencia existente entre los lugares en los que apenas hay una o dos capas y aquellas en las que hay tres o más. Pero el color que apreciamos sigue siendo “el mismo”.


TRANSPARENCIA

Al fin y al cabo se trata de un efecto visual producido porque se han intentado unir dos colores mediante capas cada vez más finas de la pintura elegida para cubrir el color que está debajo.  En la siguiente foto veréis que se pretende simular esa sensación con capas cada vez más delgadas del color claro sobre el color más oscuro de fondo.


 
MEZCLAS
Con proporciones de los colores que se desean “unir” se lleva a cabo la pintura del color resultante justo en la zona en la que se tocan ambos colores. Puede realizarse de diferentes maneras, mezclando el color y aplicando capas en la zona colindante o realizando pequeños punteados sobre la zona de intersección.  La foto pretende mostrar a modo de ejemplo la mezcla obtenida como “media” resultante de los colores de cada una de las dos figuras.


BAÑOS DE COLOR, LAVADOS O AGUADAS

El pincel apenas lleva pintura y bastante agua. Se puede utilizar para generar tonalidades sobre determinadas áreas con colores distintos con un mismo lavado de color. Con un poquito más de pintura y quizás menos agua se pueden realizar perfilados, esto es, reseguir hendiduras en las partes más escondidas y generalmente a las que la iluminación tiene poco acceso para destacar un volumen. En la siguiente ilustración se puede apreciar cómo el círculo es atravesado por una débil línea aguada de color claro.


Os animo a que memoricéis la forma del dibujo si aún no estáis muy duchos en la interiorización del concepto y quizás os ayude a entender mejor a qué se refiere el pintor cuando emplea cada término en sus explicaciones. A mi me ayuda a recordarlo.



¡Ah, si creéis que algo no queda claro o que se puede mejorar la explicación hacédmelo saber!
¡Un saludo!
KPG

3 nov. 2011

Los colores del óxido

Una de mis intenciones en este blog es proporcionar materiales que puedan ser de utilidad para los aficionados al pintado y modelado de figuras. Empecemos con las texturas.

¿Os habéis fijado en los colores que puede adquirir la herrumbre a consecuencia de la oxidación y la incidencia, calidad o dirección de la luz?

Pongo unos pocos ejemplos a continuación.

Primero, un fragmento de un objeto desconchado con luz lateral desde la izquierda:


El mismo fragmento ahora con luz cenital:


Ahora con luz lateral derecha:



Finalmente, con luz lateral superior derecha y con desconchones en la parte de arriba sin decolorado amarillento:


A pesar de existir un sólo punto de luz, la gama de colores en tan poco espacio es muy amplia. Me gustó y lo retraté. Quizás algún día se puede emplear de ejemplo para pintar una figura...

Espero que estos recursos os resulten de provecho.

KPG